Poster Le retour du fils prodigue

Le retour du fils prodigue Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) Moyen : Huile sur toile Année : c. 1668 Maison à : Hermitage, Saint-Pétersbourg, Russie Taille d'impression recommandée à 300 PPI : 22x28 dans Le plus proche de l'original : Env. 92x72.38 en Maximum à 100 PPI : 66x84 in Avant de passer votre commande, sélectionnez le bouton "Customisez-le !" en bas à droite sous "Ajouter au panier", puis sélectionnez "Options d'impression" en haut à gauche. Entrez l'une des dimensions de la taille de cadre souhaitée. Dans l'Évangile Selon Luc (15, 11-32), le Christ raconte la parabole du fils prodigue. Un fils demande à son père son héritage et feuille la maison parentale, pour ensuite arracher toute sa richesse. Arrivé à dernier de maladie et de pauvreté, il retourne chez son père. Le vieil homme est aveuglé par les larmes lorsqu'il pardonne son fils, tout comme Dieu pardonne à tous ceux qui se repentent. Tout ce travail est dominé par l'idée de la victoire de l'amour, de la bonté et de la charité. L'événement est traité comme le plus haut acte de sagesse humaine et de noblesse spirituelle, et il se déroule dans le silence absolu et l'immobilité. Le drame et la profondeur du sentiment sont exprimés dans les figures du père et du fils, avec toute la précision émotionnelle avec laquelle Rembrandt a été doté. Les coups de pinceau larges et croquants du style tardif de l'artiste accentuent l'émotion et l'intensité de ce tableau magistral. Cette parabole dans le traitement de Rembrandt est adressée au coeur de tout le monde : "Nous devrions être heureux : car ce fils était mort, et est encore vivant; et a été perdu, et est trouvé." Crédit : Musée de l'Hermitage Toutes les informations sont fournies à des fins éducatives seulement. Rembrandt Harmenszoon van Rijn (15 juillet 1606 - 4 octobre 1669) était un peintre et un graveur néerlandais. Il est généralement considéré comme l'un des plus grands peintres et graveurs de l'histoire de l'art européen et le plus important de l'histoire néerlandaise. Ses contributions à l'art ont eu lieu dans une période que les historiens appellent l'âge d'or hollandais. Ayant remporté un succès jeune en tant que peintre portraitiste, ses dernières années ont été marquées par une tragédie personnelle et des difficultés financières. Pourtant, ses gravures et ses peintures ont été populaires tout au long de sa vie, sa réputation d'artiste est restée élevée et pendant vingt ans, il a enseigné presque tous les peintres hollandais importants[3]. Les plus grands triomphes créatifs de Rembrandt sont illustrés notamment par ses portraits de ses contemporains, ses autoportraits et ses illustrations de scènes de la Bible. Ses autoportraits forment une biographie unique et intime, dans laquelle l'artiste s'arroge sans vanité et avec la plus grande sincérité. En peinture et en gravure, il a exposé une connaissance complète de l'iconographie classique, qu'il a modelé pour répondre aux exigences de sa propre expérience; ainsi, la représentation d'une scène biblique a été informée par la connaissance de Rembrandt du texte spécifique, son assimilation de la composition classique, et ses observations de la population juive d'Amsterdam. En raison de son empathie pour la condition humaine, il a été appelé "l'un des grands prophètes de la civilisation". Life Rembrandt Harmenszoon van Rijn est né le 15 juillet 1606 à Leiden, la Pays-Bas. Il était le neuvième enfant né de Harmen Gerritszoon van Rijn et Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck. Sa famille était plutôt bien à faire ; son père était un meunier et sa mère était la fille d'un boulanger. Enfant, il fréquente l'école latine et est inscrit à l'Université de Leiden, bien que selon un contemporain il ait une plus grande inclination à la peinture ; il est bientôt apprenti à un peintre d'histoire Leiden, Jacob van Swanenburgh, avec qui il passe trois ans. Après un apprentissage bref mais important de six mois avec le célèbre peintre Pieter Lastman à Amsterdam, Rembrandt ouvre un studio à Leiden en 1624 ou 1625, qu'il partage avec son ami et collègue Jan Lievens. En 1627, Rembrandt commença à accepter des étudiants, parmi lesquels Gerrit Dou. En 1629, Rembrandt a été découvert par l'homme d'État Constantijn Huygens, le père de Christiaan Huygens (un célèbre mathématicien et physicien hollandais), qui a acheté pour Rembrandt d'importantes commissions de la cour de La Haye. À la suite de cette liaison, le prince Frederik Hendrik continua d'acheter des peintures de Rembrandt jusqu'en 1646. À la fin de 1631, Rembrandt déménage à Amsterdam, puis s'étend rapidement comme nouveau capital d'affaires de la Pays-Bas, et commence à exercer comme portraitiste professionnel pour la première fois, avec grand succès. Il a d'abord séjourné chez un marchand d'art, Hendrick van Uylenburg, et en 1634, il a épousé la cousine de Hendrick, Saskia van Uylenburg. Saskia venait d'une bonne famille : son père avait été avocat et burgemeester (maire) de Leeuwarden. Quand Saskia, la plus jeune fille, est devenue orpheline, elle vivait avec une soeur plus âgée à Het Bildt. Ils ont été mariés dans l'église locale de St. Annaparochie sans la présence de sa famille. La même année, Rembrandt est devenu une bourgade d'Amsterdam et un membre de la corporation locale des peintres. Il a également acquis un certain nombre d'étudiants, dont Ferdinand Bol et Govert Flinck. En 1635, Rembrandt et Saskia s'installent dans leur propre maison, louant à la mode Nieuwe Doelenstraat. En 1639, ils déménagent dans une maison de premier plan (aujourd'hui le Rembrandt House Museum) dans le quartier Jodenbreestraat dans ce qui devenait le quartier juif ; l'hypothèque pour financer l'achat de 13 000 florins serait une cause principale de difficultés financières ultérieures. Il aurait facilement dû être en mesure de le payer avec son important revenu, mais il semble que ses dépenses aient toujours suivi le rythme de ses revenus, et il a peut-être fait des investissements infructueux. C'est là que Rembrandt a souvent cherché à faire modèle à ses voisins juifs pour ses scènes de l'Ancien Testament. Bien qu'ils soient désormais riches, le couple subit plusieurs revers personnels ; leur fils Rumbartus meurt deux mois après sa naissance en 1635 et leur fille Cornelia meurt à seulement 3 semaines en 1638. En 1640, ils eurent une deuxième fille, également appelée Cornelia, qui mourut après avoir vécu à peine plus d'un mois. Seul leur quatrième enfant, Titus, né en 1641, a survécu à l'âge adulte. Saskia meurt en 1642 peu après la naissance de Titus, probablement de la tuberculose. Les dessins de Rembrandt sur son lit de maladie et de mort sont parmi ses oeuvres les plus émouvantes. Rembrandt a survécu à Titus, mort en 1668, laissant une petite fille. Rembrandt mourut dans l'année de son fils, le 4 octobre 1669 à Amsterdam, et fut enterré dans une tombe anonyme dans le Westerkerk. Périodes, thèmes et styles Tout au long de sa carrière, Rembrandt a pris comme sujets principaux les thèmes du portrait, du paysage et de la peinture narrative. Pour le dernier, il a été particulièrement loué par ses contemporains, qui l'ont loué comme un interprète magistral des histoires bibliques pour son habileté à représenter les émotions et l'attention au détail. Stylistiquement, ses peintures ont évolué de la manière "lisse" précoce, caractérisée par une technique fine dans la représentation de la forme illusionniste, au traitement "rugueux" tardif des surfaces de peinture richement variées, ce qui a permis un illusionnisme de forme suggéré par la qualité tactile de la peinture elle-même. Un développement parallèle peut être vu dans son habileté de graveur. Dans les gravures de sa maturité, particulièrement à partir de la fin des années 1640, la liberté et l'ampleur de ses dessins et peintures ont trouvé expression dans le support d'impression aussi. Les oeuvres englobent un large éventail de sujets et de techniques, laissant parfois de grandes zones de papier blanc pour suggérer de l'espace, à d'autres moments en utilisant des réseaux de lignes complexes pour produire des tons sombres riches. C'est au cours de la période Leiden de Rembrandt (1625-1631) que l'influence de Lastman fut la plus importante. Il est également probable qu'à ce moment-là Lievens a eu une forte incidence sur son travail également. Les peintures étaient plutôt petites, mais riches en détails (par exemple, en costumes et bijoux). Les thèmes religieux et allégoriques ont été privilégiés, tout comme les troniques, les demi-personnages non destinés à être des portraits spécifiques. En 1626, Rembrandt produisit ses premières gravures, dont la large diffusion expliquerait en grande partie sa renommée internationale. En 1629, il termine Judas Repentant, Retourner les pièces d'argent et l'artiste dans son Studio, des oeuvres qui témoignent de son intérêt pour la manipulation de la lumière et la variété de l'application de peinture, et constituent le premier progrès majeur dans son développement en tant que peintre. Au cours de ses premières années à Amsterdam (1632-1636), Rembrandt commença à peindre des scènes bibliques et mythologiques dramatiques en grand contraste et en grand format (The Blinding of Samson, 1636, Belshazzar's Feast, c. 1635 Danaë, 1636), cherchant à imiter le style baroque de Rubens. Avec l'aide occasionnelle d'assistants dans l'atelier d'Uylenburgh, il peignit de nombreuses commissions de portrait à la fois petites (Jacob de Gheyn III) et grandes (Portrait du constructeur de navires Jan Rijcksen et sa femme, 1633, Leçon d'anatomie du Dr Nicolaes Tulp, 1632). À la fin des années 1630, Rembrandt avait produit quelques peintures et de nombreux gravures de paysages. Souvent, ces paysages ont mis en évidence des drames naturels, avec des arbres déracinés et des ciels menaçants (Cottages avant un ciel orageux, c. 1641, Les Trois Arbres, 1643). À partir de 1640, son travail devint moins exubérant et plus sobre, reflétant peut-être une tragédie personnelle. Les scènes bibliques sont maintenant dérivées plus souvent du Nouveau Testament que de l'Ancien Testament, comme l'avait été le coque avant. En 1642, il peint The Night Watch, sa plus grande oeuvre et la plus remarquable des importantes commissions de portrait de groupe qu'il reçut à cette époque, et à travers laquelle il chercha des solutions aux problèmes de composition et de narration qui avaient été tentés dans des oeuvres antérieures. Dans la décennie qui a suivi le Night Watch, les peintures de Rembrandt variaient considérablement en taille, en sujet et en style. La tendance précédente à créer des effets dramatiques principalement par de forts contrastes de lumière et d'ombre a cédé la place à l'utilisation de l'éclairage frontal et des zones de couleur plus grandes et plus saturées. Simultanément, des figures ont été placées parallèlement au plan d'image. Ces changements peuvent être considérés comme une évolution vers un mode de composition classique et, compte tenu de l'utilisation plus expressive du brossage aussi, peut indiquer une familiarité avec l'art vénitien (Susanna et les Anciens, 1637-47). En même temps, il y a eu une diminution marquée des oeuvres peintes en faveur des gravures et des dessins de paysages. Dans ces oeuvres graphiques, les drames naturels ont finalement fait place à des scènes rurales hollandaises tranquilles. Dans les années 1650, le style de Rembrandt a changé à nouveau. Les peintures ont augmenté en taille, les couleurs sont devenues plus riches et les coups de pinceau plus prononcés. Avec ces changements, Rembrandt s'est éloigné de l'ancien travail et de la mode actuelle, de plus en plus enclin à des oeuvres fines et détaillées. Son approche singulière de l'application de peinture peut avoir été suggérée en partie par la familiarité avec le travail de Titien, et peut être vue dans le contexte de la discussion alors en cours sur la "finition" et la qualité de surface des peintures. Les récits contemporains font parfois remarquer de manière désapprobatrice la grossièreté de la brosse de Rembrandt, et l'artiste lui-même aurait dissuadé les visiteurs de regarder ses tableaux de trop près. La manipulation tactile de la peinture peut être d'ordre médiéval, lorsque les effets mimétiques du rendu informaient la surface d'un tableau. Le résultat final est une manipulation richement variée de la peinture, profondément stratifiée et souvent apparemment hasardeuse, qui suggère forme et espace à la fois d'une manière illusionniste et très individuelle. Crédit : Adapté à partir de Wikipedia Toutes les informations sont fournies à des fins éducatives seulement.